Cet ouvrage de référence propose une initiation à l'évolution des styles du mobilier, depuis son apparition dans l'Antiquité jusqu'à nos jours. Cette troisième édition actualise la période contemporaine et adapte son contenu aux besoins des étudiants d'aujourd'hui (ajout de focus synthétiques, de frises chronologiques, d'éléments historiques et artistiques pour une mise en perspective...). Avec une nouvelle maquette plus dynamique, cette édition s'adresse aussi bien aux élèves des métiers du bois et de l'histoire de l'art qu'aux chineurs amoureux de l'art.

Pour cette nouvelle publication, Maison CF propose un projet ine´dit qui de´passe le territoire de la photographie pour l'histoire du Wax. Ce tissu traditionnel ne´ sur le continent africain au XIXe sie`cle, arborant des motifs aussi abstraits que figuratifs dans des couleurs flamboyantes est aujourd'hui prise´ partout dans le monde. Ce que l'on sait moins, c'est que chaque motif ve´hicule un message bien pre´cis, ici rentransmis dans ses diffe´rentes variations.

Sous la forme d'un beau livre et a` la manie`re d'une encyclope´die au format ine´dit, Wax Stories collecte un vaste panel de ces tissus et traduit leurs significations au sein de diffe´rents chapitres allant de l'amour au quotidien, en passant par la nature et les animaux. Cet ouvrage a e´te´ conc¸u par Marie-Ce´cile Zinsou, fondatrice de la Fondation Zinsou au Be´nin, et, Gabin Djimasse et Sophie Douay, qui ont largement participe´ a` la collecte et aux transcription iconographiques de ces Wax.

Objet a` part entie`re, Wax Stories se de´cline en quatre versions diffe´rentes, te´moignant de l'esthe´tique puissante de ces productions qui se sont, depuis quelques anne´es, invite´es dans les cercles de la cre´ation contemporaine de la mode au design en passant par les arts décoratifs. Lire la suite Fermer

Depuis la nuit des temps, le couteau accompagne l'Homme. Il fut son premier outil et tient désormais salon dans les plus grandes villes du monde.
Composé d'un manche et d'une lame, utilitaire ou objet de luxe, il est sans cesse réinventé de mille manières jusqu'à devenir un véritable phénomène de société.

Artisans, artistes ou designers, les couteliers ont en commun l'intelligence de la main, l'histoire du geste : ils ont dompté le métal, rendu son tranchant durable, décoré et enrichi les couteaux à l'aide des plus belles matières. La force brute du couteau cède la place à la minutie du geste.

François-Xavier Salle rend hommage à près de 50 maîtres du couteau contemporains à travers cet ouvrage richement illustré de pièces emblématiques et traditionnelles mais aussi de créations luxueuses et résolument modernes.

Un voyage au fil de la lame, du temps et des pays. Lire la suite Fermer

Ce manuel pratique présente les fondamentaux de la reliure, depuis le maniement des outils jusqu'à la connaissance des matériaux spécifiques, pour pouvoir réaliser n'importe quelle forme de livre, même les plus originales. Les différents types de reliure sont abordés par niveau de difficulté afin de pouvoir progresser dans sa pratique : cahier unique, livre accordéon, mais aussi cahiers multiples, reliures non collées, etc. Pour chacune des structures étudiées, les auteurs reviennent sur les origines de la forme, donnent des instructions de fabrication détaillées en pas-à-pas et évoquent les développements possibles vers d'autres réalisations plus complexes. Toutes les techniques présentées s'accompagnent de photographies afin de pouvoir s'approprier au mieux les gestes des différentes étapes de fabrication. Cet ouvrage moderne, à la pointe des dernières tendances, encourage une approche créative de la reliure en tant que forme d'expression artistique afin de donner vie à ses plus belles idées de livres.
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Savoirs et pratiques des artisans en France XVIIe-XVIIIe siècles

À partir de l'étude des gants, des éventails et des perruques, cet ouvrage articule l'histoire de la parure du corps et celle de l'artisanat, afin d'éclairer le socle technique de la « culture des apparences » des XVIIe et XVIIIe siècles. Grâce à l'exploitation d'un corpus d'archives manuscrites et d'objets de collection, la diversité matérielle des articles et celle de leurs appropriations sociales sont dévoilées, portées par l'inventivité des artisans. Loin d'être exclusivement des travailleurs manuels, ces derniers développent une pensée abstraite des produits et sont aussi des entrepreneurs. En amont de la révolution industrielle, ils promeuvent ainsi une organisation séquencée, segmentée et délocalisée de la production, qui repose largement sur le recours à une main d'oeuvre féminine.

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LE LIVRE Carreaux de céramique émaillée, les azulejos ornent les plus belles décorations d'architecture intérieure et extérieure du Portugal. La variété de leurs motifs et l'éclat de leurs couleurs confèrent un charme singulier aux églises, palais, villas, parcs et jardins qu'ils embellissent.
À travers les exemples les plus remarquables, spécialement à Lisbonne, cet ouvrage présente la richesse de cet artisanat haussé au rang d'art par la virtuosité de ses créateurs.
Du Palacio Nacional de Sintra à la Quinta de Baca hoa, du Palacio dos Marqueses de Fronteira à l'ancienne église conventuelle Madre de Deus à Lisbonne, des azulejos polychromes aux cycles en bleu et blanc, du style mudejar aux ornements rocailles, le lecteur est invité à découvrir le coeur du Portugal en suivant un itinéraire que jalonnent ses azulejarias les plus somptueuses.

Ouvrage relié avec jaquette illustrée 216 pages et 216 illustrations couleur 22 x 29 cm Lire la suite Fermer

Dans le bois se cache l'histoire de la vie de l'arbre et de la forêt. En prenant le temps d'observer un morceau de bois, on peut y découvrir de nombreuses marques qui sont autant d'informations sur son âge, son développement, ou encore les stratégies qu'il a adoptées pour s'adapter aux contraintes environnementales. Dans cet ouvrage, deux grands spécialistes du bois expliquent, photos et exemples à l'appui, comment identifier les marques du bois et les interpréter pour retracer l'histoire de l'arbre duquel il a été prélevé.
Car tout morceau de bois est avant tout une tranche de la vie d'un arbre.
- La première partie de l'ouvrage présente les signes remarquables du bois (traits, lignes, bandes, points, formes, figures, dessins, taches, stries, pores, couleurs, reflets...), regroupés en 26 catégories. Pour chacune d'elle, les auteurs proposent des clés de lecture permettant de les interpréter facilement.
- Dans la deuxième partie, une grande sélection de photos offre de nombreux exemples concrets d'anecdotes de vie ou de mésaventures que l'on peut lire dans le bois.
- Enfin, une galerie de photos époustouflantes révèle de véritables oeuvres d'art cachées au coeur du bois.
Un ouvrage inédit et très complet pour apprendre à lire les morceaux de bois qui nous entourent.
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L'art de la menuiserie compte un grand nombre d'assemblages de bois si intelligemment pensés et recouverts qu'ils sont presque imperceptibles de l'extérieur. En confrontant les techniques d'assemblage orientales, et notamment japonaises, avec celles qui sont utilisées en Europe, cet ouvrage présente les principaux assemblages utilisés dans les métiers du bois et propose de nombreuses suggestions pour le développement de futures constructions. Assemblages en longueur, obliques, en croix, d'angle ou encore de plans... 67 formes et près de 300 variations sont détaillées, textes explicatifs et visuels à l'appui. Les combinaisons présentées sont accompagnées de schémas et photographies pour bien comprendre la manière dont sont réalisées ces constructions souvent complexes. Cet ouvrage technique de référence fait perdurer un savoir-faire artisanal qui intéressera tous les passionnés du bois.
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L'ambre est une matière unique qui fascine depuis l'Antiquité. Légère, aromatique, délicate, aux propriétés électriques, elle se décline dans une gamme de couleurs allant du rouge sombre translucide au blanc opaque. De l'époque romaine jusqu'au XVIIIe siècle, les savants se perdirent en conjectures sur son origine, certains la définissant comme du sperme de baleine, d'autres comme de l'urine de lynx solidifiée. Son mystère la parait de vertus médicinales. Les inclusions d'insectes ou de petits animaux qu'on y trouve parfois prisonniers font de l'ambre un symbole d'immortalité. Pline l'Ancien devine sa nature en y voyant le résultat d'une résine végétale, mais ce n'est qu'en 1757 que le savant russe Mikhaïl Lomonossov détermina son origine réelle. Il s'agit d'une résine fossilisée provenant, pour les objets de ce catalogue, d'une forêt préhistorique datant d'environ 30 à 40 millions d'années, située sous la mer Baltique, entre les villes de Dantzig (aujourd'hui Gdansk en Pologne) et Königsberg (aujourd'hui Kaliningrad en Russie), alors en Prusse-Orientale. La présence de nombreux bijoux et figurines en ambre baltique dans le monde grec et romain, dans la tombe de Toutankhamon, et jusqu'en Chine, offre un éclairage fascinant sur les échanges commerciaux de l'époque, le long de la « route de l'ambre » de la Baltique à l'Adriatique. Au XVIe siècle, le grand maître Albert de Brandebourg-Ansbach se convertit au protestantisme et transforme l'ordre des Chevaliers teutoniques en duché de Prusse. Ses docteurs publient les premiers livres sur l'extraction de l'ambre et ses vertus médicinales. C'est le début d'une formidable expansion du commerce et de la production des objets d'art en ambre. Ils deviennent les cadeaux diplomatiques de la Prusse par excellence et sont recherchés pour orner les Kunstkammern des souverains et des princes d'Europe. L'exposition Ambre : trésors de la mer Baltique XVIe-XVIIIe siècles est la première manifestation dédiée à cette matière en France. Il a fallu près de vingt ans à la Galerie Kugel pour réunir la cinquantaine d'oeuvres qui y seront exposées. Mêlant sculptures, coffrets, coupes et jeux, l'immense variété des pièces présentées illustre la fascination pour l'ambre du XVIe au XVIIIe siècle et le talent des artistes pour mettre en valeur toutes les nuances de cette matière extraordinaire. Notre ouvrage réunit ces objets d'exception et les accompagne d'une étude scientifique sur l'ambre, ses origines, son utilisation commerciale et artistique. Lire la suite Fermer

Les cerfs-volants japonais sont étroitement liés à la culture populaire qui apparu au Japon pendant l'époque d'Edo (1603-1868). Métaphores de l'éphémère, ils atteignirent alors leur âge d'or aussi bien en tant que jouets pour enfants ou adultes, que supports esthétiques ou comme objets de sociabilité.
Chaque province du Japon développa ses propres cerfs-volants, adaptant les formes au vent local. L'iconographie se réfère à la nature, l'histoire et la mythologie tant régionales que nationales.
Considérés aujourd'hui comme les plus beaux cerfs-volants du monde, ils ont pour particularité d'être pour la plupart en deux dimensions, offrant ainsi une surface plane sur laquelle on peut facilement peindre, coller ou imprimer des motifs.

Ean Mayodon (1893-1967) est l'un des grands céramistes du xxe siècle.
À Sèvres, il rencontre le graveur Félix Bracquemond (1833-1914), Auguste Rodin (1840-1917), Émile-Antoine Bourdelle (1861-1929), Claude Monet (1840-1926), Henri-Edmond Cross (1856-1910) et la célèbre danseuse Isadora Duncan (1877-1927), dont il dessinera les danses sur ses vases. C'est à Sèvres, dans la maison familiale, qu'il installe son atelier et construit un four.
Au cours de ses années de recherche, il peint avec des oxydes métalliques, cherchant à dominer parfaitement les techniques de cuisson et les secrets du feu. Dans la lignée d'André Metthey (1871-1920) qu'il qualifie de « magicien de la couleur et de l'or », ses recherches l'amènent à la maîtrise de la cuisson de l'or pour mettre en lumière les couleurs les plus raffinées.
Passionné par les poteries précolombiennes, l'art persan, l'Antiquité grecque et étrusque, les Égyptiens, les fresques italiennes, il remet au goût du jour les histoires antiques et les légendes mythologiques : il dessine et décore ses pièces avec des rondes de nymphes, de centaures, de sirènes, de tritons, de dieux et des danseuses. À partir de 1930, il confie le tournage à l'un des meilleurs tourneurs de la Manufacture de Sèvres.
Jean Mayodon a exposé dans de nombreux salons (Salon d'automne, Exposition internationale des Arts décoratifs...). Conseiller artistique de la Manufacture de Sèvres, nommé au conseil d'administration de l'Institut français de la céramique, il devient en 1940 directeur artistique de la Manufacture de Sèvres, fonction dont il est démis en 1942. Pendant cette période, il crée pour la Manufacture plus de quatre-vingts formes de vases. S'il abandonne alors la faïence, son matériau de prédilection, pour la porcelaine, il reste fidèle dans les déc Lire la suite Fermer

Rencontre avec ces artisans qui, dans l'intime des ateliers et des manufactures, pensent et composent un artisanat du svelte et de l'aérien. Inventaire de ces matières d'hier ou d'aujourd'hui, qui visent à alléger l'objet. Découverte des techniques, ancestrales ou high tech, à l'aune de cette quête du souple et du gracile, de l'épure, de l'organique et du fragile. Révélation de ces pièces et de ces oeuvres, lorsqu'elles prolongent et incarnent la sensibilité du fluide. Réflexion enfin, du côté du luxe comme du quotidien, sur ce que dit de notre époque cette désormais irrésistible légèreté des choses. Comment et pourquoi elle se fait l'écho d'une société en quête de minimalisme, inquiète de son environnement, soudain désireuse du less is more et de la décélération. Lire la suite Fermer

Les chaises incarnent le jardin du Luxembourg.
Pour les Parisiens comme pour les touristes, elles sont le symbole du Quartier latin.
Pourquoi leur image rend-elle délicieusement nostalgiques ceux qui s'y sont assis ?
En les dessinant en regard de ce que les écrivains ont dit du parc, Bernard Soupre esquisse une interprétation.
Dans Mémoires de chaises, son pinceau rencontre les grandes plumes qui ont aimé le Luco : Balzac, Hugo, Sand, Flaubert, Huysmans, Gide, Benjamin, Faulkner, Sartre, Beauvoir...
Et l'on comprend que si les chaises du Luxembourg nous émeuvent, c'est peut-être parce qu'à l'instar des grands textes de la littérature elles exercent sur nous un pouvoir magique de réminiscence !

Goudji est considéré comme l'orfèvre majeur de notre temps et son rayonnement est mondial : ses créations ont été présentées par des galeries d'art contemporain et par des musées en France et à l'étranger ; il a créé des épées d'académiciens, il a oeuvré pour des cathédrales séculaires (Chartres, Albi, Autun, Le Mans, Luçon, Saint-Flour, Notre-Dame de Paris) et la papauté. Son oeuvre est enracinée dans la culture de l'Antiquité autant que dans la nôtre. Enfin par son parcours qui l'a mené de l'Union soviétique stalinienne aux commandes de chefs d'Etat français, sa vie tient du roman.

Dans ce livre qui publie de nombreuses oeuvres encore inédites, Bernard Berthod propose de suivre l'itinéraires de cet homme arrivé en France à l'âge de trente-trois ans et qui a depuis réalisé une oeuvre unique, offrant une synthèse inédite de l'art de la Grèce antique, de la Mésopotamie, des steppes et des Scythes. Il nous permet de comprendre comment Goudji a tenté de donne forme à ce que désirait Malraux, c'est-à-dire un art qui soit sans limites - sans limites dans le temps, car il regarde à la fois vers le passé, le présent et le futur - et un art qui rassemble toutes les grandes traditions, de l'orfèvrerie des Achéménides à celle des Carolingiens, mais selon une vision résolument moderne.
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L'ouvrage de référence des amateurs du travail du bois, désireux de mieux choisir les essences et les panneaux dérivés en fonction de leurs caractéristiques, de leurs emplois et de leur situation écologique.

100 ESSENCES ET PANNEAUX DÉRIVÉS sont décrits et photographiés.
LES GRANDES BASES de la menuiserie sont rappelées : outils et assemblages, produits de traitement et de finition.
15 PROJETS À RÉALISER, avec leur feuille de débit et leur plan de réalisation : banc-table pliant, bureau à gradin, cadre-miroir, fauteuil, comptoir bar de salon, étagère Tetris, meuble à tiroirs, meuble suspendu, pergola avec jardinières, plateau de desserte, meuble-vitrine, etc.

DÉCOUVRIR ET CONNAÎTRE LE BOIS DANS TOUTE SA DIVERSITÉ

« À sa manière si singulière, Goudji a élaboré un art sans limites, sans limites dans le temps puisqu'il regarde à la fois vers le passé, le présent et le futur ; sans limites dans ses racines puisqu'il récapitule toutes les traditions, de l'orfèvrerie des Achéménides à l'orfèvrerie des Carolingiens, selon une vision placée, de fait, au-devant de nous, comme Salah Stétié l'a si bien défini : Goudji possède le privilège de faire une oeuvre éternelle. La netteté physique de son travail a une résonance métaphysique. »

Cet ouvrage éblouissant met en lumière une partie de la collection textile de Thomas Murray, marchand d'art extra-européen qui a réuni au fil des années un ensemble rare de textiles japonais inconnu du public français. Leur état de conservation exceptionnel et leur grande beauté ont conduit à leur acquisition par le Minneapolis Institut of Art en mars 2019.
Divisé en trois parties, ce livre présente trois grandes catégories de textiles japonais ainsi que différentes techniques de tissage qui leur sont associées. Ceux extrêmement rares, réalisés par le peuple Aïnou surprennent tout d'abord par leur matière, leur finesse et leur beauté singulières. Les seconds textiles sont désignés sous le terme Mingei, terme créé par Soestsu Yanagi au début du XXe siècle et qui signifie "art populaire". Utilisés dans la vie quotidienne, ils sont empreints d'une délicatesse naturelle et élégante. Quant au chapitre Okinawa, il met en lumière les créations de cette île japonaise connue notamment pour ses bingata, des textiles aux couleurs vives et éclatantes aux traits épais.

Grâce à des reproductions splendides et de très nombreux détails, ce livre témoigne de la finesse et de la somptuosité créatice dont savent faire preuve les tisserands japonais. Lire la suite Fermer

Les peintres et doreurs du Garde-Meuble de la Couronne ont participé à la création des plus beaux sièges du xviiie siècle. Leurs livraisons illustrent la diversité et l'excellence des métiers d'art qui ont fait la réputation de Paris à la fin du xviiie siècle. Leur travail apporte finition et éclat au décor des bois après le travail du menuisier et du sculpteur qu'ils mettent en valeur. Sous Louis XVI, Louis-François Chatard en devient le principal fournisseur. Peintre et doreur, il est également parfumeur. Ses confrères peintres et doreurs comme Julliac ou la famille Chaise tiennent également boutique à Paris en tant que marchands et restaurateurs de tableaux.Cet ouvrage nous fait découvrir cette profession et ce savoir-faire, ceux qui l'exercèrent avec excellence, tout en illustrant les mutations des corporations et de l'artisanat à Paris à la veille de la Révolution. Lire la suite Fermer

Né de l'alliance du gypse et du feu, le plâtre accompagne l'histoire de l'homme depuis des millenaires. Présent aujourd'hui dans les réserves des musées, les décors des palais, les ateliers d'artistes, les folies architecturales et les les façades d'immeubles, c'est une matière polyvalente, peu coûteuse mais un matériau aussi familier que mal connu.Depuis l'Antiquité, le stuc a connu un grand essor en Europe sous la civilisation romaine et gallo-romaine. On le trouve alors dans les moulures, les panneaux décoratifs et placages de faux marbres des habitations luxueuses. À l'époque mérovingienne et au bas Moyen Âge il sert à la confection de sarcophages ou souligne certains éléments d'architecture porteurs ou décoratifs, colonnettes, chapiteaux, nervures de voûtes...La technique d'utisation du plâtre évolue et, à l'art du stuc, se substitute celui du plâtre moulé et des «gypseries». À la Renaissance puis aux xviie et xviii siècles, son utilisation se généralise et il devient un élément incontournable du décor des églises, palais et hotels particuliers qu'on élève aux quatre coins du continent européen. À l'époque baroque son usage connaît un essor particulier. Lire la suite Fermer

Le Laguiole est un couteau mythique connu dans le monde entier. Qui aurait pu penser qu'un couteau né paysan, au coeur du Massif Central, devienne un compagnon d'art de vivre de l'homme moderne ? De la poche du buronnier de l'Aubrac accompagnant ses vaches à la montagne, il est passé dans celle du bougnat quittant sa montagne pour la capitale. Aujourd'hui, il est synonyme de savoir-vivre et de convivialité.
Ses origines, sur le plateau de l'Aubrac, évoquent l'authenticité de l'espace naturel préservé. Le Laguiole en est l'étendard. Les couteliers Calmels et Pages lui ont donné ses lettres e noblesse en remportant de nombreuses médailles aux concours nationaux. De nos jours, les couteliers d'art le magnifient et certaines pièces de prestige ont conquis les amateurs les plus exigeants.
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Au Thoureil, les vitraux de l'église Saint-Genulf sont le fruit de la rencontre d'un homme d'origine juive, à l'enfance empreinte de catholicisme, et d'un écrivain peintre de culture musulmane. Sise à une demi-heure au sud-est d'Angers et ancrée en bord de Loire, cette église (XIII?-XIX? siècle) s'orne désormais de vitraux imaginés par Tahar Ben Jelloun. Inspiré par ceux d'Henri Matisse, de Pierre Soulages ou de Folon sertis dans des sanctuaires méridionaux, Jérôme Clément est à l'initiative de ce projet aux multiples soutiens. Grâce à ces verrières, dont «la clarté est là pour apaiser l'esprit, lui donner une légèreté lumineuse», cette radieuse mise en couleurs, réalisée par Philippe Brissy, un maître verrier de Saumur, inscrit son syncrétisme serein dans l'histoire du patrimoine artistique et spirituel.
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Le galuchat est une peau de poisson (roussette, chien de mer, diverses raies et requins) dont l'utilisation est très ancienne, notamment au Proche-Orient et en Asie. En Europe, elle était utilisée depuis longtemps comme abrasif, et fut mis à la mode au 18e siècle en gainerie par Jean-Claude Galluchat qui l'associa à l'artisanat de luxe et lui laissa son nom. Le 19e siècle fit honneur au galuchat, mais son utilisation reste surtout associée la période Art Déco, ou Ruhlmann et d'autres grands noms l'utilisèrent dans le mobilier. Il tomba ensuite dans l'oubli, et la technique de sa "mise" en oeuvre fut perdue.

Jean Perfettini s'est appliqué avec succès à la retrouver : « Personne ne savait réellement comment pratiquaient les anciens et c'est par tâtonnements, essais divers, recherches à droite et à gauche, recueil de bribes d'informations chez les uns et les autres, que nous avons réussi à traiter du galuchat de manière relativement complète. » Après avoir replacé le galuchat dans son contexte historique, l'auteur s'intéresse aux espèces de poissons utilisées et à l'aspect des peaux (petits grains et gros grains). Il décrit ensuite la mise en oeuvre. Il traite enfin de la restauration des objets en galuchat. Une bibliographie très complète termine l'ouvrage.

De nos jours, le galuchat connaît un renouveau en décoration, ébénisterie et maroquinerie : il continue de nous fasciner, aussi luxueux que mystérieux.
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